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조각가가 여기로 리디렉션합니다.뉴욕시 현대 미술관 (MoMA)의 움베르토 보치 오니 (Umberto Boccioni)의 이탈리아 미래파 조각품.

에이 조각 은 예술로 특별한 인정을 받기 위해 선택된 3 차원의 인간이 만든 물건입니다. 인류의 존재가 시작된 이래로 모든 문화는 수백 또는 수천 년 동안 지속 된 사물을 조각 해 왔습니다. 3 차원 물체로서의 조각은 촉각 적이며 시각 장애인조차도 그것을 경험할 수 있다는 점에서 다른 기술과 다르다.

지능이 발달함에 따라 외부 세계의 물질을 사용하는 인간의 능력이 발전합니다. 조각품을 만드는 데 사용되는 다양한 재료는 예술 세계에서 유례가 없습니다.

조각의 역사

조각의 역사는 사용 된 재료에 초점을 맞추기 시작했고 사람이 진행됨에 따라 사람이이 3 차원 물체에 넣는 아이디어와 가치가 집중되었습니다. 그것은 초기의 도구로 부서 질 수있는 원 토나 찰흙으로 만들어진 먼 문명의 물체로 시작되었습니다. 불의 발명으로 도기,기구 및 예배에 사용되는 물건이 나왔습니다. 나중에 귀중한 또는 다른 철과 다른 금속에 모양이 만들어졌고 그리스 시대에는 나중에 르네상스 예술가들이 부러워하고 모방하려고 시도한 매우 정교한 인간 형태의 조각이 생겼습니다. 재료가 진화함에 따라 감도도 향상되었습니다. 우리는 거대한 불상, 스핑크스, 로도스의 거상, 신 또는 신화의 생물, 위대한 남자와 여자의 흉상이 만들어져 경외감과 경외감을 불러 일으켰습니다.

르네상스가 끝날 무렵 매너리스트들이 등장했을 때 그들은 인간의 육체와 피의 한계를 뛰어 넘는 것을 강조하는 길쭉한 형태로 과장하고 대조를 이뤘습니다. 엄격한 공공주의, 특히 공공 작업에 대한 기간이 지나면 낭만주의, 로댕 등, 그리고 초현실주의 자, Duchamp 등이 일상적인 물건의 사용을 좋아했습니다. 기본으로 돌아 가기를 원하는 현대인; 예 : 무어, 자드 킨, 피카소. 올덴 부르크 (Oldenburg)와 같은 팝 아티스트는 일상을 아이콘으로 바꾸어 놓았으며 이제 과학 기술의 빠른 발전으로 거의 모든 것이 가능합니다.

어느 정도까지 조각의 역사는 Lasceau 동굴 벽화, 원주민의 인도 암석 그림, 모든 역사적 예술 운동을 통해 주제와 관련하여 회화의 역사와 어느 정도 유사합니다. 이 두 분야는 서로 다른시기에 융합되었으며 우리는 화가 (Da Vinci, Picasso)와 조각가 (Michaelangelo, Rodin)가 두 가지 모두에서 탁월한 것을 발견했습니다.

조각 재료

조각의 역사적 재료

인류 역사 전체에 걸쳐 다른 예술과 달리 영속성을 가진 예술의 대상이 된 조각품이 만들어졌습니다. 작품은 주로 내구성이 높고 값 비싼 재료로 제작되었습니다. 대리석, 석회암, 반암 및 화강암과 같은 청동 및 석재. 금,은, 비취, 상아와 같은 덜 귀중한 재료는 일반적으로 크라이 세 판틴 작업에 사용되었습니다.

더 넓은 소비를 위해 조각에 사용되는 일반적인 재료로는 참나무, 상자 및 석회와 같은 목재, 테라코타와 같은 세라믹, 백랍 및 스펠 터와 같은 주조 금속이 포함됩니다.

조각가들은 종종 파리 석고, 왁스, 점토 및 심지어 플라 스티 신과 같은 임시 재료로 만들어진 마케 트 (maquettes)라고하는 작은 예비 작업을합니다. 헨리 무어의 거대한 조각은 보통 작은 석고 또는 플라 스티 신 마켓으로 시작되었습니다.

현대 재료

브리스톨 동물원, 브리스톨, 영국에서 나무 조각. 이것은 병에 걸려 넘어져서 서있는 나무에서 체인 톱으로 조각되었습니다.

오늘날 대부분의 전통적인 조각 재료는 여전히 널리 사용되고 있지만 기술의 발전으로 재료의 범위가 넓어졌습니다. 재료에는 유리 및 모래, 알루미늄, 폴리머 및 액정과 같은 많은 합성 재료가 포함됩니다.

오늘날의 영화 및 극장 산업에서 조각가들은 폴리스티렌 블록으로 큰 조각상을 조각하는 것이 일반적입니다. 내구성은 없지만 가볍고 열선으로 쉽게자를 수 있습니다.

일부 조각품은 형태와 소리가 있다는 점에서 멀티미디어입니다. 많은 예술가들이 조각에 비디오 및 / 또는 컴퓨터를 사용합니다. 컴퓨터와 모터는 조각품으로 사용될 수있어 로봇으로 분류 될 수 있습니다. 일부 조각가들은 3D 모델링 소프트웨어와 빠른 프로토 타이핑 시스템을 사용하여 플라스틱 폴리머 형태를 구현하고 있습니다. 조각가들은 또한 CNC (Computer Numerical Control) 분쇄기를 사용하여 사실상 시각화하고 물리적으로 표현할 수있는 작품을 만들 때 돌과 점토를 분쇄합니다.

조각가들은 새로운 재료로 예술을 만드는 새로운 방법을 끊임없이 찾고 있습니다. 혈액, 죽은 동물 및 체액은 ​​현대 조각가에게 더 특이한 선택 중 하나입니다. Andy Goldsworthy는 자연 환경에서 거의 전적으로 천연 재료를 사용하고 전형적인 것보다 더 임시 조각을 만드는 것으로 유명합니다. Jim Gary는 스테인드 글라스뿐만 아니라 많은 조각품에서 자동차 부품, 도구, 기계 부품 및 하드웨어를 사용했습니다. Pablo Picasso는 자전거 핸들을 황소 뿔로 사용했습니다. Marcel Duchamp는 바 의자에 찔린 자전거 바퀴를 기성품 (발견 된 물건) 중 하나로 사용했습니다.

그의 후기 저술에서 Joan Miró는 언젠가 조각품이 가스로 만들어 질 수 있다고 제안했습니다 .1

일반적인 형태

조각의 일반적인 형태는 다음과 같습니다.

  • 흉상, 가슴 (몸통)부터 사람을 나타냅니다.
  • 승마자 말을 타고 중요한 사람을 보여주는 조각품.
  • 자유로운 무대 조각, 기초를 제외한 모든면에 공간으로 둘러싸인 조각. "라운드에서"조각으로도 알려져 있습니다.
  • 분수조각품은 움직이는 물로 디자인되었습니다.
  • "라운드에서": 조각가가 어떤 각도에서도 볼 수 있도록 설계되었습니다.
  • 보석류
  • 변하기 쉬운 (Calder 's Stabiles 참조)
  • 구조: "높은 릴리프"또는 "낮은 릴리프"(바닥 릴리프)에서 바닥에 돋보이는 조각은 여전히 ​​배경에 붙어 있습니다.
  • 사이트 별 미술
  • 동상

기술은 캐스팅을 참조하십시오.

전세계 조각

아시아 사람

힌두교와 불교의 종교에 기반을 둔 아시아의 여러 지역에서 다양한 형태의 조각이 사용되었습니다. 앙코르 2에는 많은 캄보디아 힌두교 조각품이 보존되어 있지만, 약탈 약탈이 전국의 많은 지역을 파괴했습니다. 태국에서는 조각품이 독점적으로 부처의 조각이었다. 많은 태국 조각품 또는 사원이 도금되어 있으며 때로는 상감이 풍부합니다.

인도

인도 최초의 조각품은 돌과 청동 조각품이 발견 된 인더스 밸리 문명으로 거슬러 올라갑니다. 그것은 세계에서 가장 오래된 조각품의 고향입니다. 나중에 힌두교, 불교 및 자이나교가 발전함에 따라 인도는 세계에서 가장 복잡한 청동 조각과 타의 추종을 불허하는 사원 조각을 생산했습니다. Ellora3에있는 것과 같은 일부 거대한 신사는 단단한 바위로 조각되어 세계에서 가장 크고 가장 복잡한 조각품이되었습니다.

기원전 2 세기에서 1 세기 동안 인도 북부의 북부 아프가니스탄과 파키스탄 북부의 조각에는 부처의 삶과 가르침의 에피소드가 포함되어 있습니다. 인도는 오랜 조각 전통을 가지고 있었지만, 부처는이 시대 이전에는 항상 인간적 형태가 아니라 상징적으로 만 대표되었습니다. 현대 아프가니스탄의 간다 란 불교 조각상이 그리스와 페르시아의 예술적 영향을 보여주기 때문일 수 있습니다. 예술적으로 Gandharan 학교는 물결 모양의 머리카락, 어깨, 신발 및 샌들에 휘장, 잔잔한 잎 장식 등을 기여했습니다.

Mathura의 분홍색 사암 조각은 Gupta 시대 (4-6 세기)에 실행 수준이 높고 모델링의 섬세함이 진화했습니다. 아프가니스탄, 치장 용 벽토 또는 점토의 최신 조각품은 인도 이후 구타의 매너리즘과 헬레니즘 또는 그레코 로마의 영향이 매우 강력하게 혼합되어 있습니다. 한편, 인도의 다른 곳에서는 해부학 적으로 덜 정확한 인간 표현 스타일이 발전하여 세계가 아시아 전역의 불교 및 힌두 조각에 익숙하고 기여하는 고전적인 스타일로 발전했습니다.

중국

현대의 숙련 된 중국 장인들은 기원전 10,000 년 전의 유물로 뿌리를 거슬러 올라갈 수 있습니다. 그러나 유럽 박물관에 전시되는 대부분의 조각품은 역사가 거의없는 시대에 불과합니다.

관심의 첫 번째시기는 주 왕조 (기원전 1050-771 년)로, 복잡한 복잡한 주철 선박으로 유명합니다. 다음으로 흥미로운시기는 한나라 (기원전 206 년 ~ 기원 220 년)이며, 테라코타 군대와 함께 시작됩니다. 이것은 초기의 진 시대 첫 황제의 무덤을 위해 모였습니다. 기원전 210 년에서 209 년 사이의 (진시황) 한 시대에서 발굴 된 무덤들은 2000 년이 지난 후에도 활기차고 직접적이며 호소력있는 많은 인물들을 밝혀 냈습니다.

중국의 황금 시대로 여겨지는시기는 당나라입니다. (이것은 유럽에서 때때로 "암흑기"라고 불리는 것과 일치합니다). 아래 그림과 같은 장식 인물은 20 세기 유로 미국 문화에서 매우 인기가있었습니다. 그들은 중국 내전의 장군들이 현금을 모으기 위해 그들을 수출함에 따라 대량으로 제공되었습니다. Buhddhist 조각품이 특히 바람직하고 심오한 것으로 간주되었습니다. 구타 시대의 인도 예술에서 영감을 얻은 수이 왕조에서 종종 기념비적이며 시작된 많은 것들이 예술 세계의 보물로 간주됩니다.

당나라에 이어 중국의 유물에 대한 서구의 관심은 장식용 가구와 비취 물건을 제외하고는 급격히 감소했다. 당나라 시대의 도자기는 자유롭고 쉬운 느낌으로 유명합니다. 중국 조각은 의료 훈련이나 실습 및 인물 사진을 제외하고는 누드가 없습니다. 조각 초상화를 추구 한 유일한 곳은 수도원이었습니다.

명나라 왕조가 17 세기 후반에 끝난 후 보석, 옥 또는 도자기 이외의 거의 아무것도 박물관에 의해 수집되지 않았으며, 20 세기 말에는 예술적 장점의 조각품이 전혀 없었습니다. 그러나 공산주의 정권 초기에는 소비에트에 영향을받은 사회 현실주의 조각 학교가 있었지만, 세기가 바뀌면서 중국 장인들은 상업적 예술 장르 (수집가, 인형, 장난감 등)를 지배하는 한편 전위 예술가들이 유로에 참여했다 현대 미술의 미국 기업.

  • 와인 병, 저우 왕조

  • Calvalryman, Chin Dynasty

  • 한 왕조 키메라

  • 무덤 그림, 한 왕조

  • 당나라

  • 당나라

  • 붕대

  • 비취 성배, 명나라

  • 당나라 루산의 항아리

  • 11 세기 승려의 초상

  • 19 세기 중반 닥터 레이디

일본

일본에서는 수많은 그림과 조각품이 종종 정부 후원하에 만들어졌습니다. 대부분의 일본 조각은 종교와 관련이 있으며 전통 불교의 중요성이 줄어들면서 사용이 줄었습니다. 3 세기의 코펀 시대에 점토 조각은 하니와 무덤 바깥에 세워졌습니다. 호류지 (Horyu-ji)의 곤도 (Kondo) 안에는 샤카 삼위 일체 (623)가 있으며, 두 개의 보살과 네 방향의 수호 왕. 무로 지 (Muro-ji)의 2 차 건물에 모셔진 "역사적"부처 인 석가모니 (Shakyamuni)의 나무 이미지 (9 세기)는 초기 헤이안 조각의 전형입니다. 그것에는 두꺼운 휘장 주름으로 덮여 깊은 몸이 있습니다 혼파 시키 (롤링 웨이브) 스타일, 그리고 엄격하고 철회 된 표정. Kei 조각가 학교, 특히 Unkei는 새롭고 더 현실적인 스타일의 조각을 만들었습니다.

다른 문화

아프리카

아프리카 예술은 조각에 중점을두고 있습니다. 아프리카 예술가들은 2 차원 작품보다 3 차원 예술 작품을 선호하는 경향이 있습니다. 알려진 최초의 조각품들은 기원전 500 년경에 만들어진 나이지리아의 녹 문화에서 나온 것입니다. 아마도 가장 유명하게 묘사 된 것은 "적의 머리가 줄어든 것"입니다!

이집트

이집트 조각의 고대 예술은 파라오, 신의 왕과 여왕뿐만 아니라 물리적 형태로 고대 이집트 신을 대표하도록 진화했습니다. 조각상을 제작하는 동안 매우 엄격한 관례를 따랐습니다. 남성 조각상은 여성 조각상보다 어둡습니다. 앉은 조각상에서는 손을 무릎에 얹어 야했으며, 모든 이집트 신의 모습에 특정한 규칙이 적용되었습니다. 예술 작품은 모든 협약을 정확히 준수한 것에 따라 순위가 매겨졌으며,이 협약은 3 천년이 지나도 법령의 모양이 거의 변하지 않도록 엄격하게 준수되었습니다.

미국

미국에서 조각의 역사는 로마 공화당 시민 가치와 개신교 기독교의 18 세기 기초를 반영합니다. 19 세기 중반에서 후반까지의 미국 조각품은 종종 고전적이며 종종 낭만적 인 것이었지만, 언론의 사실주의에 해당하는 극적인 이야기를 위해 특별한 구부러진 모습을 보여주었습니다. 20 세기 전반의 공공 건물은 종종 조각, 특히 구호에 대한 건축 환경을 제공했습니다. 1950 년대에 전통적인 조각은 거의 바우 하우스 (즉, 마르크스주의)에 영향을받은 추상 디자인에 대한 관심으로 완전히 대체 될 것입니다. 미니멀리스트 조각은 종종 공공 장소에서 인물을 대체했습니다. 현대 조각가들은 고전적이고 추상적 인 영감을받은 디자인을 사용합니다. 1980 년대부터 비유적인 대중 조각상으로의 전환이 있었으며 2000 년까지 미국의 많은 새로운 공공 작품은 비 유적으로 설계되었습니다.

유럽

  • 티 베리우스 황제 19 세기 빅토리아 앤 앨버트 박물관에서 에나멜 테라코타 흉상.

  • Delapré 수도원에서 새끼 고양이와 레이디

고전 전통

고대 그리스 조각. 영국 박물관에 전시 된 파르테논 신전의 일부.

풍모 독특한 유럽 ​​고전 전통에

  1. 전체 수치 : 젊고 운동 남성 또는 전신 여성 누드 사용
  2. 초상화 : 나이와 강한 성격의 표시
  3. 고전 의상의 사용과 고전 신의 속성
  4. 관찰을 기반으로 한 자연주의에 대한 우려, 종종 라이브 모델에서.

유럽 ​​고전 전통의 특징 공통적으로 다른 많은 사람들과 함께 :

  1. 등장 인물은 거리와 내적 만족의 태도를 나타낸다
  2. 디테일은 솔리드 볼륨과이를 둘러싸는 공간 사이의 리듬감을 방해하지 않습니다.
  3. 조각은 실제보다 단단하고 큰 느낌
  4. 주변 공간은 신성하거나 시대를 초월합니다

사회적 지위

전세계의 조각가들은 대개 서명하지 않은 상인입니다. 그러나 고전 전통에서 일부 조각가들은 Periclean 아테네와 2000 년 후 르네상스 부흥에서 더 많은 사람들의 인정을 받기 시작했습니다. 이 경향은 메디치 (Micci) 하에서 왕자 집단에 들어간 미켈란젤로의 경력에서 절정에 이르렀습니다. 조각품은 여전히 ​​무역 이었지만 뛰어난 시인들과 화가들과 함께 뛰어난 조각가들이 인정 받았습니다. 19 세기에는시와 그림이 그랬던 것처럼 조각품도 부르주아 / 상류층의 직업이되었으며 여성 조각가들의 고전 작품이 등장하기 시작했습니다. 그러나 일부는 Auguste Rodin의 학생 인 Claudia Claudel과 마찬가지로 차별을당했습니다. 그녀는 자신의 권리에 재능이 있었지만 로댕에 의해 박해를 당했다.

고딕

15 세기 후반의 고딕 조각.

고딕 조각은 12 세기 말과 13 세기 초에 초기의 뻣뻣하고 길쭉한 스타일 (일부 로마네스크 양식)에서 공간적이고 자연스러운 느낌으로 진화했습니다. 샤르트르 대성당의 서구 (로얄) 포털 (약 1145 년)의 건축 조각상은 가장 초기의 고딕 조각품이며 새로운 세대의 조각가를위한 스타일과 모델의 혁명이었습니다. 그 전에는 일드 프랑스에는 조각 전통이 없었기 때문에 부르고뉴에서 조각가들을 데려왔다.

밤베르크 대성당에는 13 세기 조각품 중 가장 큰 조립품이있었습니다. 영국에서는 조각품이 무덤과 비피 구린 장식에 더 국한되었습니다. 이탈리아에서는 여전히 고전적인 영향이 있었지만 고딕 양식은 Pisa Baptistery 강단 (1269)과 시에나 강단과 같은 강단 조각에 들어갔다. 네덜란드 부르고뉴 조각가 클로스 슬 루터와 자연주의의 맛은 15 세기 말까지 고전 르네상스 스타일로 진화하면서 고딕 조각의 끝을 알 렸습니다.

르네상스

르네상스 시대에 다른 예술 작품보다 많은 경우 조각품이 부활했습니다. 매우 명백한 자연주의가 있었으며 매우 높은 품질의 실재 인물이 조각되었습니다. 고전적 부흥에서 가장 중요한 조각가 중 하나는 도나 텔로였습니다. 그의 고전 시대의 가장 큰 업적은 현재 피렌체의 Bargello에있는 청동 David David (미켈란젤로와 혼동하지 않아야 함)입니다. 창조 당시, 그것은 고대부터 최초의 독립 누드 조각상이었습니다. 원형으로 완벽하게 설계되었으며 건축 환경과 독립적으로 르네상스 조각의 첫 번째 주요 작품이었습니다.

  • 도나 텔로의 데이비드 (복제본)

  • 미켈란젤로 미켈란젤로의 David | David

미켈란젤로의 많은 조각 중에는 다니엘과 피에타의 조각뿐만 아니라 도니 버진, 바커스, 모세, 레이첼, 레아 및 메디치 가족 구성원이 있습니다. 미켈란젤로 데이비드, 아마도 세계에서 가장 유명한 조각품은 1504 년 9 월 8 일에 공개되었습니다. 콘트라 포스토 인간의 모습을 포즈의 스타일. 미켈란젤로의 다비드상은

나체

그리스 고전 조각의 누드 또는 '무자비'인물은 묘사 된 사람, 신 또는 다른 존재의 지위 또는 역할에 대한 참조였습니다. 운동 선수, 사제 및 신은 그들의 장식 또는 부족으로 식별 될 수 있습니다.

기원전 4 세기와 같은 그리스 고전 이미지를 사용한 르네상스 선점 Polykleitos의 Doryphoros, 4는 누드 비 유적 조각상이 인체를위한 '완벽한 형태'로 여겨졌다.

결과적으로 조각과 그림의 과도한 노출은 무죄, 개방성 또는 순 결성 등 이상적인 형태를 나타냅니다. 누드 조각품은 여전히 ​​흔합니다. 회화에서와 같이, 그들은 종종 인체의 해부학 적 구조를 이해하고 옷 입히는 비유 작업을 만들기위한 기초를 제공 할 기술을 개발하기위한 연습으로 만들어집니다.

누드 조각상은 대개 대부분의 사회에서 널리 받아 들여지며, 주로이 형식을 뒷받침하는 전통의 길이 때문입니다. 때때로, 누드 형식은 종종 근본 주의적 도덕적 또는 종교적 집단에 의해 이의를 제기합니다. 이에 대한 전형적인 예는 바티칸 그리스 조각에서 페니스를 제거하고 빅토리아 여왕이 영국 박물관을 방문하기 위해 미켈란젤로의 다비드 조각 석고 석고에 무화과 잎을 추가하는 것입니다.

스타일

매너

Benvenuto Cellini가 생성 함 소금통 1540 년에 금과 흑단으로 된 해왕성과 아피 타이트 (지구와 물)가 길쭉한 형태와 불편한 위치를 특징으로한다. 그것은 Mannerist 조각의 걸작으로 간주됩니다. 이 이상주의는 인간을 육체적 일뿐만 아니라 영적인 존재로 묘사하는 것이 었습니다. 길쭉한 형태는 그들에게 추가적인 차원을주는 것처럼 보였다.

바로크

바로크 조각에서 인물 그룹은 새로운 중요성을 가정했으며 인간 형태의 역동적 인 움직임과 에너지가 중심 소용돌이 주위에 나선형으로 있거나 주변 공간으로 바깥쪽으로 도달했습니다. 처음으로 바로크 양식의 조각품에는 종종 여러 시야각이있었습니다. 바로크 양식의 특징적인 조각품으로 조각품, 숨겨진 조명 또는 분수가 추가되었습니다. 지안 로렌조 베르니니는 의심 할 여지없이 바로크 시대의 가장 중요한 조각가였습니다. 그의 첫 작품은 고대 그리스와 로마 제국의 헬레니즘 조각에서 영감을 얻은 것입니다. 그의 가장 유명한 작품 중 하나는 세인트 테레사의 엑스터시.

신고전주의

이 운동은 대부분 로마 사본의 헬레니즘 조각을 포용했습니다. 조각상에서 가장 친숙한 대표자는 이탈리아 안토니오 카 노바, 영국인 John Flaxman 및 Dane Bertel Thorvaldsen입니다.

모더니즘

현대 고전주의는 자연주의 (Antoine-Louis Barye), 선율주의 (François Rude), 감상주의 (Jean Baptiste Carpeaux) 또는 일종의 당당한 거만함 (Lord)에 대한 헌신이 특징 인 19 세기의 고전 조각과 여러면에서 대조를 이뤘습니다. 레이턴). 세기가 바뀌면서 고전 전통에서 몇 가지 다른 방향이 취해졌지만, 라이브 모델과 르네상스 이후 전통에 대한 연구는 여전히 그들에게 기본적이었습니다.

로댕 칼레의 버거

Auguste Rodin은 20 세기 초 유럽에서 가장 유명한 조각가였습니다. 그는 수 이족으로 간주 될 수 있습니다. 즉, 누군가가 자신의 난류적이고 가상적인 스타일로 성공적으로 작곡 되었다면 아직 발견되지 않았습니다. 그는 종종 'Medardo Rosso, Troubetski 백작, Rik Wouters와 같은 조각상 인상파로 여겨지며, 일상의 찰나의 순간의 매력을 드러내려고 시도합니다.

현대 고전주의는 자연주의에 대한 관심이 적고 공식적인 양식화에 대한 관심이 더 높았습니다. 볼륨과 공간의 리듬에 더 큰 관심을 기울였으며 대조되는 표면 품질 (개방형, 폐쇄 형, 평면형, 파손 형)에 대한 관심도 높았지만 해부학이나 의상에 대한 스토리 텔링 및 설득력있는 세부 사항에 대한 관심은 줄었습니다. 신체적 현실주의보다 심리적 현실주의에 더 큰 관심을 기울였습니다. 순간적이고 사적인 것이 아니라 지속되고 공개 된 것을 보여주는 데 더 큰 관심을 기울였습니다. 이집트, 중동, 아시아, 아프리카 및 중미 계 미국인과 같은 고대 및 중세의 신성한 예술의 예에 더 큰 관심을 기울였습니다. 이것은 새로운 물질주의 사회와 영성이 아니라 논리와 이성에 대한 믿음의 결과 일 수 있습니다.

현대 고전주의의 초기 마스터에는 Aristide Maillol, Alexander Matveev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa가 포함되었습니다.

세기가 진행됨에 따라 현대 고전주의는 두 개의 위대한 유럽 전체주의 제국의 국가 스타일로 채택되었습니다. 나치 독일과 소비에트 러시아는 독일의 Kolbe와 Arno Breker, 러시아의 Matveev와 같은 초기 마스터의 작품을 공동 채택했습니다. 나치 독일은 15 년 동안 지속되었지만 70 년 동안 공산주의, 특히 소련에서는 70 년대에 걸친 공산주의자들이 독특한 스타일, 사회 주의적 현실주의를 훈련하고 개발하여 19 세기 멜로 드라마와 자연주의에 중점을 두었습니다.

헨리 무어는 그의 유명한 기대다, 그리고 다른 많은 조각들

유럽의 다른 지역에서 현대의 고전은 장식 / 아트 데코 (Paul Manship, Carl Milles), 추상적 양식화 (Henry Moore, Alberto Giacometti, Julio González (조각가)), 표현 적 (고딕) (Anton Hanak, Wilhelm)이되었습니다. Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini) 또는 르네상스 (Giacomo Manzu, Venanzo Crocetti)로 향하거나 고전 (Charles Despiau, Marcel Gimond)을 유지했습니다.

1970 년까지 서유럽 (및 아메리카)의 예술 교육에서 고전적 훈련이 시작되었으며 20 세기의 고전적 변형은 근대주의 역사에서 소외되었습니다. 그러나 고전주의는 1990 년까지 소비에트 아카데미에서 미술 교육의 기초로 계속해서 동유럽과 중동 일부 지역에 표현 적 비 유적 예술의 토대를 제공했다.

2000 년까지 유럽 고전 전통은 여전히 ​​시청자, 특히 관광객들에게 큰 호소력을 유지하지만 현대 발전을 ​​되살리기 위해 교육 전통을 기다리고 있습니다. 어떤 사람들은 새 천년에 비 유적 전통으로의 귀환이 시작되었다고 말할 것입니다.

현대주의 운동에는 입체파, 미래파, 미니멀리즘, 설치 예술 및 팝 아트가 포함되었습니다.

포스트 모더니즘

현대 조각 장르
더블린의 첨탑-높이 120m (393 피트), 상단에서 조명

현대의 일부 조각 형태는 이제 야외에서, 그리고 종종 관중을 전체적으로 볼 수 있으므로, 그들에게 친밀감을 부여합니다. 행위 예술 일부의 눈에. 얼음 조각 얼음을 원료로 사용하는 형태입니다. 중국, 일본, 캐나다, 스웨덴 및 러시아에서 인기있는 얼음 조각은 일부 요리, 특히 아시아에서 장식 적으로 장식되어 있습니다. 운동 조각 알렉산더 칼더 (Alexander Calder)가 처음 제작 한 모바일을 포함하여 움직 이도록 설계된 조각품입니다. 눈 조각 보통 각 측면에서 약 6 ~ 15 피트, 무게는 약 20 ~ 30 톤의 단일 눈 덩어리로 조각됩니다. 인공적으로 생성되거나 강설 후에 수집 된 후 눈이 밀집되어 포장됩니다. 소리 조각 바람이 잘 통하는 하프, 오토 마톤 또는 기타 기존 악기와 함께 실내 또는 실외 사운드 설치 형태를 취하십시오. 소리 조각은 종종 사이트마다 다릅니다. 에이 모래성 모래 조각으로 간주 될 수 있습니다.

포르투갈 리스본의 발견 시대와 포르투갈 네비게이터 조각

조각으로 간주 될 수있는 다른 예술은 다음과 같습니다.

  • 홀로그램
  • 도기류
  • 유리제 불기
  • 복장
  • 마스크
  • 인형
  • 토템 폴

외부 링크

2019 년 11 월 2 일에 확인 된 모든 링크.

  • 카스 조각 재단-영국 현대 조각
  • 아프리카 조각

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